色彩の情景
光と大気が生んだ色を、革に写すということ - Claude Monet -
色が生まれる、その瞬間を綴る。
特別な色には、特別な物語があります。
yuhakuでは、限定色を発表するたびに、
その色が生まれるまでの“情景”や“想い”をひとつの記録として残していきます。
染色を担う職人やデザイナーの声、
制作の裏側で交わされた言葉や、手の中で育った色彩の記憶──
それは単なる色見本ではなく、
ひとつの色が完成するまでに積み重ねられた“時間”と“感情”の記録です。
このページでは、そんな色の背景にある静かなドラマを、
言葉を通してお届けしてまいります。
その青と、網膜のあいだにあるもの
たとえば、あなたは夕方に友人と会う約束をしたとして。
待ち合わせ場所に着いたあなたの元に、青いカーディガンを着た友人が、小さく手を振りながら近付いてきたとします。
西日に照らされたその青と、あなたの網膜のあいだに存在している大気は、いったいどんな色をしているのでしょうか。
一歩いっぽとこちらへ近付いて来る青は、ずっと同じ色彩でしょうか。
きっと、少しずつ違う色彩に見えるはずです。
でも、どう違うのでしょう。
その答えを、250通り以上も生み出してきた画家がいます。
クロード・モネです。
「そのまま描く」役割を降りた画家たち
1839年、モネが生まれるわずか1年前。
「記憶を持った鏡」という謳い文句とともに、パリにある発明が登場しました。
ダゲレオタイプと呼ばれる、世界初の実用的写真撮影法です。
この技術の登場により、人物や風景は、かつてないほど忠実に記録できるようになりました。
それまで視覚情報の記録を担っていた肖像画家や風景画家たちは、「そのまま描く」役割を写真に譲ることになります。
便利な技術の登場によって、人間が担わなくてもよい仕事が増えていく。
この構図は、現代におけるAIの登場にもどこか似ています。
この大きな転換点をきっかけに、画家たちは自らに問い直しました。
― 画家は、何を描くべきなのか。
光を描くという決意
1840年、パリに生まれたクロード・モネ。
5歳で海辺の町アーブルへ移り住み、10代後半には風刺画で頭角を現し始めます。
そんな彼が出会ったのが、風景画家ウジェーヌ・ブーダンでした。
当時、制作はアトリエの中で行うのが当たり前。
しかしブーダンはモネを戸外へ連れ出し、自然光の中で描くことを教えます。
刻一刻と変化する光。
止まることのない空気。
その体験が、モネを「光を描く画家」へと導いていきました。
モネ 自画像 1917年 オルセー美術館所蔵
一瞬たりとも同じではない風景
戸外制作は、想像以上に過酷なものです。
雲は流れ、枝葉は揺れ、花は開き、やがて閉じる。
朝は鮮やかに、夕方には橙色に、日が落ちれば闇に包まれる。
情報が多すぎて、何ひとつとして待ってくれない。
自然はあまりにも表情豊かで、ドラマチックです。
その一瞬たりとも同じではない光の移ろいに魅せられ、
生涯をかけて向き合う道を選んだモネの感性と胆力には、ただただ脱帽するばかりです。
クロード・モネ「睡蓮 (1916)」
クロード・モネ「睡蓮 (1906)」
睡蓮という、終わりなき主題
1890年代、50歳を過ぎたモネは、睡蓮の連作に取り組み始めます。
250点を超えると言われるその作品群は、同じ池を、異なる時間、天候、季節の中で描き続けたものです。
そこに描かれているのは、睡蓮そのものではありません。
水面に映る空、揺らぐ木々、漂う光。
見る者は、描かれていない空気や時間までも想像することになります。
説明し切らない余白。
鑑賞者が入り込むための空間。
それこそが、絵を完成させる最後のピースなのだと思います。
睡蓮の情景を、革へ
この「睡蓮の情景」を、革に落とし込む。
そこから生まれたのが、SCMシリーズです。
油絵具とは異なり、染料は革に浸透し、混ざり合います。
混ぜずに隣り合わせることができない素材で、いかにしてモネの筆触分割の思想を再現するか。
指先に布を巻き、数ミリ単位の点をひとつずつ置く。
革のトラや血筋さえ、水面の波紋として受け止めながら、
光の流れを構成していきました。
モネが生涯をかけて追い続けた、光によって変わる色彩。
その思想を、
日常の中で触れ続ける革へ。
SCMシリーズは、同じ表情が二度と生まれない、光の情景です。
クロード・モネ没後100年記念
《睡蓮》オマージュコレクション
商品ラインナップ
色の裏側を紡ぐ
染色職人
yuhakuが作る光の色彩を、ぜひお楽しみください。
